1. 梵高的作品一直在炒作
文化上的东西不能单纯以炒作还是非炒作来论，个人觉得他们的风格开创且代表了一个时代，而且实质性的给架上绘画以及后来的现代艺术以及后现代艺术带来了启蒙的曙光。没有梵高就不会有后印象主义，没有后印象主义就打不破之前学院派的条条框框。更不会诞生后来的波普艺术等流派。但我们现在走到街上看到的10块广告牌里，或在电视里看到的10个广告中，总有一个是从波普艺术演变而来的。这样推断的话，梵高在几百年前的艺术行为影响到了我们现今的生活。所以，他有他的伟大之处。
现在是有很多人有着梵高的水准和功底，但是他们的画作却不足以去影响一个时代，甚至连一个小地域的艺术氛围都不能突破。他们不是开创者，而是跟随者。
个人认为一副画作的价钱不足以衡量一个画家的才能，而一副画作是否影响到我们的生活才是衡量一个画家是否伟大的标准。
2. 梵高的画-《向日葵》，能卖到多少钱
1987年在伦敦佳士得拍卖公司主持的拍卖会上，以相当于39,921,750美元的价格获得《花瓶里的十五朵向日葵》，开创了梵高作品价格的记录，使得连那些对美术没有兴趣的人都认识《向日葵》系列。
《向日葵》是1888年8月—1889年1月期间荷兰画家文森特·梵高所绘制的以插在瓶中的向日葵为主要内容的一系列油画作品，作品分别绘制了插在花瓶中的3朵，5朵，12朵，以及15朵向日葵。
梵高笔下的向日葵像是跳动的火焰，颜色鲜艳夺目，明亮的黄色饱和度极高，可以被称为“黄色的交响曲”。梵高喜欢用纯色点画的绘画技术。它去掉了轮廓线，把每个形状都分解成彩色小点构成的区域，不仅使色彩化整为零，而且传达了他追求光线和色彩的情绪。
(2)梵高艺术餐厅加盟费扩展阅读
梵高创作和再创作《向日葵》时显示出的自我批评精神，很让人受启发，没有已完成的艺术，只有被抛弃的艺术。
梵高通过向日葵向后人传递着这么一个信息：怀着感激之心对待家人，怀着善良之心对待他人，怀着坦诚之心对待朋友，怀着赤诚之心对待工作，怀着感恩之心对待生活，怀着一颗欣赏之心享受艺术，宛若眼前那灿若花开的向日葵。
从某种程度上讲，《向日葵》是对时代变幻莫测的礼赞，它充满活力的色彩孑然一改17世纪以来荷兰花卉绘画的悠久传统。
3. 梵高夜咖啡馆属于哪一类艺术表现手法
梵高的咖啡馆作品属于主观的艺术表现手法，这种表现手法不拘泥物体的真实度，主要是顺从自己内心的想法，通过自己主观的色彩感受，来达到自己的画面效果，这种表现手法每个人画出来的感觉都是不同的
4. 梵高出名作品排名
1、星月夜 凡高 荷兰 1889年 73x92cm 布油彩 纽约现代美术博物馆
这幅画是凡高第二次精神崩溃、住进圣雷米疗养院时的作品。在这幅以蓝色和黄色为主色调的画中，凡高用饱蘸激情的条状笔触，搅动起旋转的漩涡。这些天空中星星与月亮的舒卷涌动，也许暗示使徒和耶稣的关系。也有人把这幅画看成是太阳系的“最后的审判”。宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。参天的柏树摇曳着扭曲的、火焰状的身躯，呼应着天空的韵律。被压缩了的村庄在哥特式尖顶教堂的庇护下安然栖息，事实上，圣雷米附近并没有这样的教堂，那是凡高的幻象，也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。
2、加歇医生 凡高 荷兰 1890年6月 布面油画 68x57cm 巴黎奥赛博物馆藏
这幅画凡高于1890年6月，也就是在自杀前一个月，为精心照顾他的加歇医生画了这幅肖像。凡高说:“我希望画一位艺术家友人的肖像，他满怀伟大的理想。我希望把我对这个人的感觉和爱慕之心画进作品里。我夸张了他的头发的金黄色，在头像后面我不画小屋的普通墙壁，而用我调配得极为丰富、极为强烈的蓝色涂出无限深远的背景。由于这种单纯的配合，使金黄色头发的头部，在这丰富的蓝色背景上发光，像星星嵌在深沉的碧空中。”他画这个像的时候，他写了一句话:“人们也许会长久地凝视它们，甚至在100年后，带着渴念追忆它。”事实被他的话有幸言中了，正好一百年以后，1990年5月15日另一幅《加歇医生》在纽约克里斯蒂拍卖行以8250万美元成交，创下了当时艺术品拍卖价格的世界最高纪录，这个纪录一直保持到2004年5月5日，稳坐世界最昂贵艺术品宝座长达14年之久。
3、花瓶中15朵向日葵 凡高 荷兰 布面油画 1888年 95x73cm 荷兰阿姆斯特丹梵高博物馆
这幅《向日葵》是凡高1888年8月在法国南方小镇阿尔画的。南方阳光的灿烂令画家狂喜，他用黄色画了一系列静物，来表达内心的感受，《向日葵》便是这时的代表作。画家以短粗的笔触把向日葵的黄色画得极其刺眼，每朵花如燃烧的火焰一般，细碎的花瓣和葵叶象火苗一样布满画面，整幅画尤如燃遍画布的火焰，显出画家狂热般的生命激情。凡高一生画过很多向日葵，跟这幅同款的一幅《向日葵》于1987年3月10日在伦敦佳士得拍卖行以3985万美元拍出。
4、鸢尾花 凡高 荷兰 1889年 71cm×93cm 布面油画 美国加州保罗盖兹美术馆
这幅画是凡高在去世的前一年1889年5月，他进入位于法国一间精神病院后所画的。同向日葵一样，凡高似乎也很喜欢画这类植物。油画中的鸢（yuan）尾花在人们看来，远远美过真实的。也许就是那种淡淡的美丽与可爱，才会如此深深地吸引着观赏者。画中色彩丰富，线条细致而多变，左边的白花与最右方的浅蓝花相呼应。画家细心安排花朵位置，引导观者视线。整个画面充满律动及和谐之感。100年后，1988年11月11日，《鸢尾花》以5300万美元的天价卖出。
5、罗纳河上的星空 凡高 荷兰 1888年 布面油画 72.5x92cm 巴黎奥赛博物馆藏
这幅1888年作品《罗纳河上的星空Starry Night Over the Rhone》，是凡高最有影响力的作品之一，是在法国南部城市阿尔的罗纳河创作的。冷色迷人的深蓝短线铺满整个夜空，强而有力的笔触表达出夜的深沉神秘与无法预测，而点缀其上的微明星子，与倒映在河面上的瓦斯灯灯影相互辉映，表达出画家澎湃的内心。寥寥几笔勾勒出河岸线，着重点是天空和河面，右下角的点睛之笔动态的河面拍打停泊的小舟，一对夫妇的散步把画面直接衍生到弧形的河岸。蓝色主调抹上黄调的星光河沿岸灯火，一对男女在河畔牵手夜行，那是罗纳河最典型的浪漫之夜。
6、夜间咖啡馆 凡高 荷兰 1888年 70x89cm 布油彩 纽黑文耶鲁大学美术馆
凡高由于工作过度紧张，身心疲乏，因此晚上经常光顾离他住所不远的拉马丁广场的咖啡馆，用酒或咖啡来提神解乏。那里灯火的颜色和室内陈设的红、黄色，像白天的阳光那样明亮，激发了他创作的激情。他曾说过：“我试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”这幅画是由绿色的天花板、血红色的墙壁与不和谐的绿色家具组成的梦魇。金黄色的地板呈纵向深远的透视，以难以阻挡的力量进入到红色背景之中，反过来，红色的墙壁背景也以均等的力量与之抗衡。而天花板的深重蓝色压迫下来令人窒息。他告诉提奥“我画《夜间咖啡馆》是想表现一种想法，即所谓的咖啡馆就是让人沉沦、发狂和犯罪的场所”。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验，具有震撼人心的力量。
7、凡高在阿尔的卧室 凡高 荷兰 1889年 布面油画 57.5x74cm 巴黎奥赛博物馆藏
这幅画是凡高最著名的作品之一。鲜明的色彩、非凡的透视效果和亲切的主题，不仅是凡高最受欢迎的作品, 也是他自己最中意的作品。阿尔是法国南部普罗旺斯一座小城，凡高是1888年9月搬入阿尔这间“黄房子”, 靠弟弟提奥供给的生活费, 把住宅布置一新。梵高的的卧室是宁静平和的象征，但这幅作品给人一种旋转的感觉，从梵高画的角度来看，所有的墙壁和装饰带有视觉冲击的感觉，给了我们在波涛汹涌的大海上船舶机舱里的印象。奇怪的是两把椅子对着一张笨重的木制床，家具阻挡着两扇紫色的门，墙上的画给人感觉几乎随时都会掉下来，而且墙壁本身不是方形的，斜角的天花板和黄色的百叶窗显得非常困乏，整个房间似乎都拥挤到后面窗口边上狭窄的一块地方。但不管怎样，整个效果给人感觉是非常愉快的。下面这张名画照片由正一艺术2015年11月18日拍于巴黎奥赛博物馆，没有PS。
5. 梵高的弟弟经营什么店
梵高的弟弟提奥是个 画商
◎梵高弟媳
玛丽·雪莱死后两年，一位大画家生于荷兰。他和玛丽的丈夫有不少地方相似。雪莱出生于贵族世家，终生依靠祖父的遗产，未曾自食其力；他出生于画商世家，本来可以在画店工作，却因为要画另一种画，不得不靠做画商的弟弟按月接济。雪莱特立独行，从中学起就不合于世俗，有“疯雪莱”之称；他也狂狷自放，不容于社会，群童呼为“红头疯子”，更因宿疾加上劳累，后来真的发了癫痫。雪莱生前读者寥寥，论者藐藐；他的画只卖掉一幅，也只赢得一篇好评。雪莱体弱多病，神经紧张，有自杀倾向，据说在暴风雨中，是雪莱自己力阻同舟的威廉姆斯落帆救船；他从小体格健壮，但因画途不顺，生活困苦，心情压抑，曾经割耳自残，终于自杀。所以两人都是早夭：雪莱未满三十，他也只有三十七岁，两人都死于七月。
他，便是梵高。家喻户晓，盛名更胜雪莱。
两人的命运当然也有不同。雪莱不善理财，但毕竟有丰厚的家产，不虞饥寒。梵高既握画笔，便不得不靠弟弟提奥每月一百五十法郎的津贴，往往喂饱了调色盘就喂不饱空肚。另外一大差别，是雪莱追求理想的爱情虽然无法满足，毕竟有过两个妻子，还有情人，而前妻甚至被他遗弃。梵高虽然与妓女同居过，但一生几无爱情可言，更难奢望娶妻。
相较之下，梵高是寂寞多了。雪莱死后，哀怨的玛丽对不够专情的亡夫仍以爱相报，余生的心力有一半用在编校雪莱的著作（份量五倍于徐志摩），连写给其他女子的情诗也不删除。梵高却无妻可靠。
幸而天不绝人，即连苦命的梵高。生前，他有弟弟可靠，死后，他绝对没有料到，弟弟的遗爱竟由弟媳妇一肩担当，一手完成。
梵高死后，提奥不胜哀伤，加上久病，竟也精神失常，间或昏迷，不到半年就去世了。留下二十九岁的妻子约翰娜·邦格，带着未满周岁的男孩小文生，对着满房子零乱的存画和旧信，一时不知所措。她嫁给提奥不过一年半，与梵高相处只有五天。她深爱丈夫，兼及这位苦命而陌生的哥哥。另一方面，家中挂满、堆满哥哥的画，哥哥一生的遭遇，从弟弟口中也听到耳熟，所以她对梵高并不陌生。为了排遣对丈夫的思念，约翰娜逐一念起哥哥历年写给弟弟的五百多封信来。夜复一夜，她咀嚼着至死不渝的手足之情，深受感动，因而得知梵高是怎样的艺术家，怎样的人。于是她决心要实现提奥未遂的心愿：让全世界看到梵高的画。
像雪莱夫人一样，这位遗孀，也不是普通的女子。约翰娜也是荷兰人，但是在班上是英文的高材生，后来还去伦敦，在大英博物馆工作，又在乌特勒支的中学教过英文。更巧的是，她的学位论文写的正是雪莱。于是她一面设法安排梵高的画展，一面开始把那五百多封信译成英文，只等画展成功，配合刊出。但是要昭告世人有这么一位天才久被冷落，并非易事。开头的十年有六次画展，观众淡漠。第七次展出在巴黎，却引来马蒂斯等野兽派的新秀。从此西欧重要的美术馆大门，逐一为梵高而开。同时，约翰娜伺机将梵高的画零星出售，既可补贴家用，又可推广画家的名声。
梵高生前无名，除了少数画作送给朋友之外，其他全都寄给弟弟去推销，所以提奥死后，那五百五十幅油画外加数以百计的素描，全由约翰娜一人掌握，姑不论艺术的价值，仅计市场的估价已富可敌国。弟媳妇护画并推广之功，也对得起两兄弟了。约翰娜自己的哥哥安德烈不喜欢那些油画，曾劝妹妹一起丢掉，幸亏约翰娜不听他的，否则世上将不知梵高是谁。
梵高逝后三十五年，约翰娜亦逝于六十三岁，那几百幅宏美的作品由她的独子小文生（Vincent Willem van Gogh）继承。小文生像雪莱之子伯熙，并没有遗传先人的天才，只是一位平凡的工程师。他坐拥现代画灿烂炫眼的宝库，一幅画也不肯出售，因此他伯父的作品大半得以留在国内，不像其他名画家的那样散落在世界各国。最后荷兰政府出面，以六百万美金的超低价格向小文生整批买下这些油画与素描，条件是成立“梵高基金会”，由梵高家人主控，同时要在阿姆斯特丹盖一座“国立梵高美术馆”，以资保管、展出。
梵高生前，世界待他太薄，梵高死后，世界待他像宠爱。历史的补偿梵高不会知道，也不会知道他欠弟媳妇多深，只知道他欠弟弟太多，无以回报。可是他们因他的光轮而不朽，他们的辛苦因他对全人类的贡献而没有白费，他们留下的独子因贫穷的伯父而成荷兰的首富。
啊不，梵高已经充分报答了家人。唯一的遗憾是：他留下的那许多人像的杰作，农夫艾思卡烈、邮差鲁兰、诗人巴熙、中尉米烈、医生嘉舍，但是碌碌一生，竟未能为这一对至爱的家人、恩人留下画像。
6. 听说梵高派艺宿酒店是艺术主题的酒店，酒店环境是比较有艺术感的吗
上次出差有幸住过一次梵高派艺宿酒店，酒店环境的艺术感是体现的装修上的，运用很多鲜艳的色彩，有种比较轻松愉快的感觉。如果满意的话，请采纳哦
7. 梵高简介
文森特·威廉·梵高（1853年3月30日—1890年7月29日），荷兰后印象派画家。代表作有《星月夜》、自画像系列、向日葵系列等。
梵高出生于1853年3月30日荷兰乡村津德尔特的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士最后他投身于绘画。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。
1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品，视野的扩展使其画风巨变。
1888年，来到法国南部小镇阿尔，创作《阿尔的吊桥》；同年与画家保罗·高更交往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，梵高的疯病（有人记载是“癫痫病”）时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。
1889年创作《星月夜》。1890年7月，梵高在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。
(7)梵高艺术餐厅加盟费扩展阅读
梵高画作的色彩特点
梵高是一位色彩主义画家，他对色彩的偏好几乎达到了一种癫狂的状态，这虽然与他的精神疾病有着一定的联系，但是也不能否认梵高对于色彩的创造性的发现和表现。他的画作中的色彩都是较为奔放、夸张的，这也深深地影响了20世纪的表现主义和野兽派绘画。具体而言，梵高画作中奔放的色彩主要表现在以下三个方面：
第一，用光亮明快的夸张色彩进行装饰
受新印象派画家毕沙罗、修拉等色彩技法的影响，梵高摒弃了绘画初期暗浊、沉重的色彩，开始采用一些高明度、高纯度、高亮度的色彩，创作出了一种极具现代感和时尚感的色彩装饰效果，他的油画也因此越发鲜亮起来。
在所有的高纯度、高亮度的色彩之中，梵高最偏爱黄色，简单明了的黄色带有另外一层寓意，即象征着太阳和大地，代表着光明和希望。在黄色的带动之卜，梵高绘画作品的色彩明度和纯度对比都十分鲜明，产生了一种光亮明快的装饰美感。
例如，梵高的《向日葵》就是以大面积的黄色作为主要基调，然后配以土黄色、柠檬黄及中黄色等，使观众产生一种五彩缤纷、璀璨炫目的视觉感受，也表现出了梵高对美好生活的向往。
第二，用大色块的对比进行装饰
在装饰色彩中，大色块的并置对比是一种非常重要的表现手法，虽然这一表现手法早在梵高之前就己经提出，但在梵高的绘画中得到了最淋漓尽致的表现。梵高画作中的对比色常常是大块的且较为平整的，既简化概括，又能够增加画面的厚重感，而且借助色块的对比还可以产生一种和谐的视觉效果。
例如，《夜晚的咖啡馆——室外景》就是用大色块的对比色进行装饰，黄橙色的灯光和深蓝色的夜空相互对比，使画面产生了一种纵深感，同时也生动地描绘出了人们的夜生活。
第三，用绝对的黑白色进行缓冲
在绘画过程中，梵高除了追求画面色彩的明亮欢快及色块对比之外，还经常用黑白色来缓冲、协调色彩，其常常和对比色出现在同一个场景中。
以《播种者》为例，画面分为上、下两个部分，上半部分是鲜亮的黄色，下半部分是明亮的紫色，两种颜色对比非常强烈，过渡也比较直接，会对受众的眼睛产生刺激。而梵高将画面中播种者的长裤画为白色，在黄色和紫色之间产生了一个隔断，受众的眼睛也得以获得片刻的休息。
8. 梵高的作品价格
您问的是价格
但我还是必须尊重画家的珍贵
所以还是先转贴画家的简略资料
才附上三幅画作的市场价格
______________________________
发表於99年6月第654期主计月刊
文生‧梵谷27岁立志当画家，37岁结束了年轻的生命，但他创作力却旺盛得惊人，短短十年留下逾800幅油画，1200件素描，尚有不计其数遗失或毁损的作品。梵谷一生贫困潦倒，生前只卖出一幅油画「红色葡萄园」，但身后艺术成就却是繁花满树，成就他的除了自己本身和弟弟西奥外，还有两个重要的女人：西奥的遗孀乔安娜以及海伦‧库勒穆勒夫人。
库勒穆勒夫人收藏甚多艺术品，她前瞻与果断的艺术眼光，选上蒙尘的奇葩梵谷，在艺术顾问协助下，有计画地收藏了梵谷大量精采的作品，而梵谷流落到跳蚤市场的素描作品，也转手由库勒穆勒夫人所接收，使得这批遗珍免於流离失所，而成为库勒穆勒美术馆的重要收藏。如今，荷兰库勒穆勒美术馆和阿姆斯特丹的梵谷美术馆，仍是全球两大梵谷收藏重镇。
梵谷虽然15岁辍学，却勤奋向上且精通多种语言文字，看起来没有师承哪一位，实际上却有许多老师，因为他博览群书，阅读大量文学艺术论著，广纳百川成为自己的内在思想，形於外则表现在绘画艺术与书信撰写方面。除了在绘画艺术上有独到的见解和成就外，梵谷更发自内心地尊重平凡生命，对社会底层小人物展现了无以伦比的真心关怀。据说他为人木讷拙於言辞，但有一颗敏感而热情的心，於是在遭受诸多挫折与压力下，每每将所有情思诉之信函，倾诉对象是弟弟西奥、小妹薇儿敏娜以及部分画友。幸而有这些书信文字，幸而有乔安娜将梵谷写给西奥数百封信件编辑完成书简，并将大部分译为英文，世人才得以在绘画艺术外窥见梵谷的心灵深处。
梵谷在绘画上的创作力旺盛，行动力强烈，做法却十分踏实。对功夫有点了解的人就会明白，要有内功为根基才能练成真正高强的武功！如同习武之人首重内功，梵谷在绘画路上亦深信，素描是一切的基础，他喜欢求全、求变，加上无余力购买昂贵油画材料，於是习惯探讨同一主题，不停地画了又画，重覆多张素描以创造出不朽的油画作品。
历经画风转捩的分水岭，梵谷从巴黎来到了南法普罗旺斯的小镇阿尔，此处艳丽阳光和色彩，使他创作灵感泉涌！他经常不戴帽子，在烈日下作画十几个小时，中间没喝水、只吃几口乾面包；为了捕捉稍纵即逝的美景，甚至天黑后点起蜡烛，任由蜡油滴在身上！据说那个夏天，梵谷每个月画了近20幅油画，《夜间露天咖啡座》是阿尔时期杰作之ㄧ。
在阿尔发生「割耳事件」后，梵谷被送进了精神病院，当他出院又出现幻觉症状；邻居们担心他是危险份子，於是连署请愿希望将梵谷隔离。1889年5月，被排斥的孤寂灵魂离开了阿尔，住进阿尔西北方的圣雷米精神疗养院，即使梵谷饱受疾病发作之苦，他创作力依然丰沛。起初，梵谷只能从病房铁窗中窥看风景，透过禁闭幽居的铁窗，疗养院中庭生机盎然的美丽花园，在他笔下成了不朽之作《圣雷米疗养院的花园》，这是史博馆「燃烧的灵魂‧梵谷」特展中我最喜欢的一幅作品。一个饱受挫折的孤寂灵魂，眼中所见竟是如此绝美的生命花园？著实令人敬佩不已。
梵谷在圣雷米时期，其创作重点以麦田、橄榄树林、柏树为主题，前述特展包括《橄榄树丛》、《普罗旺斯夜间的乡村路》等作品，其中《柏树与两个人物》带给我极深的震撼，那漩涡状笔触画出的柏树，彷佛向天际伸展，一鼓澎湃汹涌的情感破画欲出！看得我泪眼迷蒙，彷佛听到孤寂的灵魂低问：何时你们才明白，我想说的是什麼？……..
梵谷的疾病是多发性的，说法不一而足，其精神状态多被后世医学家解释为「躁郁症」，是一种结合亢奋与沈郁的精神疾病，旷古烁今的梵谷，却是在所谓「躁症」状态下，创作了一幅幅撼动人心的名画，永恒不朽。以现代人倡导身心灵健康的观念看梵谷，令人惋惜他生错了时代，没有足够资讯让自己或家人意识到他的身心状态有异，应该趁早接受专业治疗；没有哲学家或心理谘商师提醒他，人要爱惜自己，好好照顾自己的身心灵，以充分享受当下每一刻。
1890年7月29日，两天前梵谷在奥维一处麦田中举枪自尽，当天在弟弟西奥的陪伴下，走完他多舛的短暂人生；哥哥的离去，对西奥打击甚大，他的心灵在压力下崩溃了，未满半年便随哥哥而去。西奥是梵谷生前唯一的知音，兄弟相知情谊诚挚感人；西奥对梵谷的支持无怨无悔，对哥哥的爱细腻而动人。没有了西奥，纵有梵谷，不可能留名千秋万世。成为巴黎有名画商的西奥，疲於贩售流行画家的画，梵谷宛若精采画论的书信，成了他生活中最大的精神支柱，也让他看到一名真正的画家。没有了梵谷，纵有西奥，其灵魂亦显孤独。
这对情深意重的兄弟，哥哥系忠於自我、坚定做自己的实践者，弟弟则是疼惜别人、允许他人做自己的成就者，分别为「倾听，自我的声音」、「倾听，他者的声音」最佳典范，值得世人学习的生命导师。
谁不喜欢成功？谁不希望自己的生命顺遂？生命教室里的现象是「我们只能掌握自己的努力，结果如何却必须交给上天决定。」后世的我们以结果论英雄，甚为惋惜：生命需要学习等待，如果，梵谷兄弟有足够能力和时间等待，必能眼见摘下夜空星星的一刻！而燃烧灵魂却用他的生命和绘画，带给世世代代的人们如此启示：生命本身即意义，不必功成名就、无需有形成果，「我正在追求，正在挣扎，正全心全意地做这件事 ~ 我就是一个画家。」（注）「生命之美不在於结果，美在当下的深刻感受，全心体验；美在过程的完全投入，怡然自得；人生舞台上，只要尽情演出，就给自己最好的掌声！」
注：参考书目~余光中译梵谷传
_____________________________________________________________________
1.画家梵谷於1890年的作品「看书的吉诺克夫人」（一八九零年），以四千零三十三万六千美元的价格卖出(值台币12.6亿)，是梵谷作品历来第四高卖价。
2.
《向日葵》是荷兰画家梵谷绘画的一系列静物油画。当中有三幅绘有十五朵向日葵，另有两幅绘有十二朵向日葵。画家1888年8月在法国南部阿尔勒绘画了第一幅十五朵的 《向日葵》 (藏於英国伦敦英国国家美术馆)和第一幅十二朵的《向日葵》 (藏於德国慕尼黑新美术馆)，其余的作品在翌年1月绘成。全部作品都画在 93 × 72 公分 (37" × 28") 的帆布上。1887年他另外在巴黎绘画了一套四幅的向日葵静物画。
画家在1888年夏末开始工作，并持续到第二年。其中一幅被他的朋友保罗·高更装饰其卧室。这个系列呈现了向日葵由盛放到凋谢各阶段的形象。在用色方面—某程度上应该归功於新近上市的颜料令新的色调变得可能—黄色系列的表现力得到突破。在给其弟弟费奥的信中，他表示：「可以说，向日葵是属於我的花」。
1987年3月，当时任安田火灾海上保险代表取缔役的后藤康男在伦敦佳士得拍卖公司主持的拍卖会上，以相当於39,921,750美元的价格标得《花瓶里的十五朵向日葵》，开创了梵谷作品价格的纪录，使得连那些对美术没有兴趣的人都认识《向日葵》系列。这幅作品目前被收藏於日本东京的损保日本东乡青儿美术馆（损保ジャパン东郷青児美术馆，位於损害保险日本公司的总社大楼的顶楼）。在交易过后其真伪曾一度引起争论——有人认为这是埃米尔·舒芬尼克尔（Emile Schuffenecker）的仿作。
3.
1890年，饱受压力与内心疯狂所苦的画家梵谷在法国举枪自尽。他在自杀前完成的作品「嘉舍医生的画像」，一百年后在纽约佳士得拍卖会上，以美金八千两百五十万元创下艺术品价格新高。当世人给予梵谷迟来的肯定，「嘉舍医生的画像」这幅作品百年来遭遇的颠配流离，却要带给我们一段钱、权力、贪婪与损失交杂的传奇。
在《梵谷流浪一百年》一书中，作者尝试打破艺术的崇高迷思，藉由「嘉舍医生的画像」历经不同收藏者、交易商、艺廊和博物馆的命运，剖析梵谷与其作品如何成为现代艺术的偶像。透过不同年代的收藏故事，作者强调，艺术品的诞生并不只是画家的个人创作，更是画家亲友与画作经纪商、收藏者，各方争执、抢夺、角力下的成果。
这段「嘉舍医生的画像」收藏史，同时也提供我们阅读另类的现代艺术史。艺术品的身价几希？名画该属於私人品味、艺术教育或者国家宣传？书中不仅披露纳粹政权出卖梵谷的秘辛，对於画作由博物馆进入拍卖会，艺术市场的兴起也有深刻探讨。当书尾「嘉舍医生的画像」在拍卖场上，落入资金雄厚的日本收藏者手中，作者再次地提醒我们：当艺术成为收藏，就是权力的展现。
梵谷在「嘉舍医生的画像」中绘出自身的苦闷忧伤，「嘉舍医生的画像」的流浪传奇则精细地绘出百年收藏者群像，让我们在画家的帆布外，看到平凡却更宽广的人间悲喜。
4.
9. 梵高绘画艺术价值的评价
尽管由于时间的距离带来对梵高研究和评价上的各执己见，但梵高被美术史归纳为后期印象派代表画家并在近代美术史上扮演着不亚于塞尚、高更的重要角色，足以说明梵高的一生是伟大的一生。仅仅37年的生命历程，而绘画创作又不超过10年，却形成了印象派中区别于塞尚、高更绘画风格的强调主观世界的表现主义形态。 100年来，人们对梵高的热爱越来越强烈，对梵高的研究越来越深入，梵高也由于人们对他的挚爱而在绘画史上享有了无与伦比的地位，这一切正好验证了梵高所说的“我的艺术是献给未来的”这句话是千真万确的。 基于此，我认为对于梵高主观表现主义形态的形成有必要进行深入的分析研究。因为梵高作为画家，他的生存方式和对艺术的执着追求与众不同。 如果把梵高和我国历代与其有相似之处的艺术家诸如张旭、怀素、米芾、徐渭、朱耷以及当代的石鲁等并列起来看的话，梵高并非真正意义上的精神病人。我认为梵高其实是死于孤独，死于无人对他的理解和认识，绝不是“由于精神病发作而开枪自杀”之类的原因。因为梵高的最终结局完全是他预料中的，他曾说：“创造新东西的艺术家，都会遭到嘲笑，并且被当做精神病看待，艺术家无法忍受冷酷的环境，到了最后就会走上毁灭自己的悲剧之路。”梵高的孤独几乎与所有被褒或贬的孤独都不同。苏东坡的一生虽颠沛流离，但有生之年还是体会到了名满天下的快意，所以才有“高处不胜寒”这样内在与深刻的孤独。李白郁郁寡欢是源自于胸怀大志却无人赏识，才能得不到施展，故“借酒消愁愁更愁，抽刀断水水更流”。他在吟诗作赋上体现出的才华得到举世公认并有诸多知音，杜甫就是其中之一，所以李白才有“举杯邀明月，对影成三人”的超越现实的浪漫主义孤独。屈原“众人皆醉我独醒”是源自于他不屑于、不肯与众人同“醉”，他忧国忧民、慨叹人生，所以才有“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索”的大彻大悟，这是一种高雅、富贵、充实的孤独。然而梵高却是孤独得可怜、痛苦，他对亲情渴望，但只有弟弟对他给予过理解；对爱情向往，但只有妓女与之往来；对友情珍视，但高更后来还是离他远去。这一切让梵高体会到了死亡是最彻底的孤独，也是能够寻找到的最彻底的自由。梵高的孤独还体现在，上帝造就了一个超越于时间与空间的旷世奇才，却没有造就出能够理解他的亲人、认识他的朋友、欣赏他的观众，所以他的艺术知音非常寥落。梵高一生是在被误解、被忽视并且被遗忘和几乎无人理睬中度过的。像雷诺阿、莫奈等能够被别人讥讽、嘲笑和咒骂都使梵高非常羡慕。他不知道自己是个天才，不知道自己是位艺术家，他的心声只能向唯一能够理解和珍爱他的弟弟提奥倾诉。在给弟弟的最后一封信中写到：“我不需要故意表达凄凉和极端孤独的心情，我希望你能马上看到这些画，我觉得这些画会把我无法用语言表达的话告诉你……”当弟弟扑到即将死去的梵高身上泣不成声时，梵高却非常平静地说：“兄弟，不要伤心，我是为大家着想才这么做的。”从这两段话分析，梵高是非常理智和清醒的。但是梵高的最后一幅作品《麦田上的乌鸦》却是—种无序笔触的堆砌，占画面几乎1/2的黑蓝色天空，挤压着金黄色的麦田，一条小路伸向远方但没有到天边就已到了尽头。而翻滚的麦浪好像恐惧空中的袭击，无数只象征着死神的乌鸦在画面上空翻飞盘旋，人们仿佛能听到恐怖的哀鸣。通过这幅画不难看出，梵高在做出最后抉择之际头脑是清醒的，情绪非常稳定，他已经不再激动、不再冲动、不再感动了，创作激情已经完全失去。就在这时梵高永远忧郁的眼神可能有了瞬间的喜悦，因为他已经深刻地认识到孤独比死亡更痛苦。 尼采曾说：“在人世间遭受最深苦恼、吃过最多痛苦的人才算伟人。”那么，梵高一生与苦恼抗争不懈，而且总是在超越身心最大承受极限之上痛苦挣扎，为艺术燃烧了自己的一切，这样的一生，无疑是充实和伟大的一生。 童年的梵高就体现出了强烈的孤独与任性，他“不喜欢家里炉火的温暖，而喜欢徘徊在荷兰荒芜的原野间”。他对生活的感受是超乎常理的，比如当他看到闪烁在夜空的星星时，却认为晚上比白天还明亮……梵高成人以后，作为美术商店的服务人员，在一位顾客表示要买一幅客厅挂的画时，梵高竟然顶撞顾客说：“画虽然有好有坏，却没有什么挂客厅、挂餐厅之分。”当客人认为有一幅画稍微大了一些时，梵高很不客气地嚷道：“你是从什么时候开始根据大小来买画的？”当梵高成为一名私立学校的临时教员时，经常和校长发生冲突。除了最后从事的绘画，他几乎所有的事情都一事无成。 梵高是在传教过程中体会到了人世间的美好。看到矿工生活条件恶劣、缺吃少穿并有疾病缠身的情况，他把自己的衣服施舍给矿工，甚至把自己的床位借给病人而使自己没有住的地方。梵高也同样在传教过程中体会到了人世间隐藏在美好背后的丑恶。那就是梵高所有的慈善友好行为，都被教会视为过分、过火并不能忍受而对其提起申诉。从这时起，一颗炽热的心灵仿佛被浇了一盆凉水。梵高对宗教的信仰开始动摇，对基督开始怀疑，他发现宗教是富人的宗教，适合于有钱人，而与贫苦人没有太大联系。最后他还是选定了绘画，他认为绘画可以施展自己的才华和远大抱负，于是“梵高从眼睛的神色到喉咙的声音都变了”，他开始向自己新开辟的美的世界勇往直前。 梵高没有一点绘画基础，也没进过美术学院。当受过严格的学院派教学训练的画家表哥毛佛劝说梵高“应该画些石膏素描之类的画”时，梵高反驳：“这种没有生命的东西根本没有画的价值。”并将石膏像碾碎丢在垃圾堆里。梵高刚开始画就把目光投向了穷苦劳作的庶民而非王侯贵族、大富翁和贵夫人等。他说：“我拼命地画画，画那些雪地里挖人参的女人，这是为了表现农夫的工作状态，我反复不停地画，专画这些本质上现代的人物画，至于希腊时代的人，文艺复兴时代的人或荷兰的古画等等，我都不曾画。”这也恰恰使梵高没有受到任何画家对他的影响。所以才能够以区别他人的方式接近生活、以完全个性化的内心感受去认识生活，以自己独特的语言去表现生活。这体现出梵高自始至终没有把注意力放在技能、技巧的提高上，而是要充分表达情感和意志；没有把目标放在画匠的标准上，而是要成为真正意义上的艺术家。 不可否认，在艺术上的高度自我是成就梵高最主要的原因，但也曾经有一段时期他的艺术创作确实受到了来自生活中的喜悦心情的影响。那就是生活在位于欧洲南部的阿尔乡村小镇的那些日子。这里与他长期生活的荷兰完全不同，下雪的时候透过寒冷的天气仍然会有温暖的阳光照在身上，在这里他总是忘却寒冷而漫步在明朗的山野之中，长期以来一直遭受打击的身心得到了从未有过的舒展，精神也分外清新爽朗，这时的梵高像复活了一样。在这个小镇子上，他有三个朋友，其中一位是镇上的妓女，这个女人给梵高的生活增添了很多愉悦。这段时间是梵高创造力最旺盛、作品数量最多的时期。他这时的作品多以明亮、华丽、富贵的黄色、红色、橙色为主调，充分体现了对生命的赞美，对美好生活的向往。梵高在这里完成了著名的《阿尔附近的吊桥》、《盛开的桃花》、《向日葵》和最具代表性的《戴麦杆帽的自画像》。《社会的自杀者》一书的作者安东尼·亚尔特通过这幅画给予梵高极高的评价。他说：“梵高的眼睛是伟大的天才之眼，从画布里发出的炯炯目光，好像在对我们进行解剖。在那一瞬间，我觉得这幅画所表现的主人早已经不是画家的梵高，简直就是永恒不朽的天才哲学家。连苏格拉底也没有这种眸子，大概在梵高以前的伟大人物中只有悲剧性人物尼采表现过这种灵魂之窗，这是从精神的出口赤裸裸地来表现人间肉体的眼神。”我认为这段话与其说是对画的评价，不如说是对人的评价，是对梵高真正意义上的评价。 亚里士多德曾说过：“没有一个天才不带一点疯狂。”约翰·德莱顿还说：“天才与疯子比邻，其间只有一纸屏风。”我认为这话似乎就是说给梵高的。如果把成功的画家分为两类的话，一类如吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿、傅抱石、李可染、陆俨少等，他们都有“不以物喜，不以己悲”大彻大悟的人生境界。另一类如张旭、怀素、米芾、徐渭及当代的石鲁等，他们都时而大喜大悲，时而痴癫疯狂，时而喜怒无度。这两类画家在艺术上的成就可以放在一个平面上类比，但人格完善上则无法相比，梵高应属于后者。 对梵高的评价与其说是“向日葵”因为一位画家的挚爱而在绘画史上享有无与伦比的地位，不如说一位画家因为一种花而被无数普通人认识、理解和怀念。因为这种花是梵高创造的伟大艺术。“若天之自高、地之自厚、日月之自明”，梵高的艺术创造就是天然本真的生命，当世俗形骸消亡之日，就是他的艺术走向永恒之时。
10. 梵高作品——夜咖啡馆鉴赏
1、主题：
在”夜间咖啡馆“中，藉由笔触本身所带有的生命力、油彩的厚度与明显分开的线条，使整幅画沉浸在一种人为的光线之下，这些都是梵高所欲呈现的视觉要素。
“ 夜间咖啡馆”的内容是从前许多画家处理过的题材，但大多数画家都把咖啡馆写成欢乐的场所，而梵高却在此引出了一群无处可去的不快乐人，背景左侧人物甚至趴在桌上昏睡，十足是个不幸的人。这是一幅悲惨的社会景象，散落在房间里的哀伤形象都令人深表同情。
红和绿、紫和蓝之间的微妙冲撞（这些色彩在其他印象主义画家笔下都结合得十分柔畅），是梵高增强画面冲击的方式。梵高认为这是一个人可能犯罪、疯狂甚至自我毁灭的地方。
2、形象
画面中的五位顾客被描述成喝醉酒在昏昏欲睡的流浪汉以及妓女和嫖客，有学者说咖啡馆是穷困潦倒的人和妓女夜间出没的场所，这在画面远处的角落里得以体现。
(10)梵高艺术餐厅加盟费扩展阅读：
夜间咖啡馆创作背景：
梵高当年在阿尔勒描绘的这家咖啡馆如今依然矗立在拉马丁广场。梵高抵达阿尔勒后，一直住在这里，后来怀着建造艺术家聚居地的希望，搬入黄房子，与高更共同生活了两个月。
创作意图：
在写给提奥的信中，他写下了创作本画的意图:"这就是他们在这里的所谓午夜咖啡馆……夜游者如果付不起住宿费，或烂醉如泥，到处被拒之门外，都可以在这里落脚。我想在这幅画中……表现咖啡馆是一个使人堕落，丧失理智或犯罪的地方。
因此，我选用淡红、血红、酒糟色，与路易十五绿、石青、橄榄绿以及刺眼的青绿形成强烈对比……造成一种气氛，好似魔鬼的硫磺火炉，以表现下等酒店里阴暗的力量。……这幅画中的咖啡厅，是个可能令人身败名裂、精神错乱、甚至犯下罪行的场所，我努力想把这一切呈现出来。……人们沉沦在地狱漩涡般的气氛中。"